【稽古物語】

   その昔、子供時代に６年間程ピアノを習ったものの極意をつかむことができず、上達の遅さに意欲も萎えて沙汰止みしていたものが、あるきっかけから「細く長く」と言う事で再開。様々な形でピアノに向き合っている方々とネットの上でのコミュニケーションを通して音楽を深めることができて、現在に至っている次第。楽しむ曲も自己満足ながらも、少しずつレベルアップをはかりつつ練習を続けている。

【習い事】

道具、楽器：　「弘法、筆を選ばず」だが逆に言えば弘法大師以外は筆を選ぶわけで、楽器は筆なんかよりもメカが助けてくれる部分が圧倒的に多い。最初に使ったものはヤマハの第一期量産型アプライトで、鍵盤をどう押しても大差なくほぼ同じ音が出る。これはこれでメリットある水準特性なのだろうが、良い楽器はうまく操ると良い音が出て、粗雑に扱うと粗雑な音しか出ない。良い音と粗雑な音を聴きわけられるようになってくると、より良い楽器が欲しくなると言う段階に当時は至らなかった。幼心で感じていたことは、自分の家のピアノではスムーズに弾けていた曲が、先生のお宅のグランドピアノでは凸凹ギクシャクした曲になってしまったこと。しかしアプライトピアノの場合、弾き方で音色が変わるいわゆる良い楽器とそうでないタイプライター的練習機とは線が引けるのだろうか。

　　就職して５年ほどピアノの無い生活の後、今度はVanBroad V30-A、LotNo.7179に遭遇。東洋楽器(株)製　1961/7/3出荷。東洋楽器(株)は愛知県名古屋市に在ったメーカーとか。音色はけっこう豊かで、納得して弾ける時があったけれどキーのレスポンスが良くなかった。弦楽器の名器の場合は演奏技術が伴っていないと楽器本来の音が出ないと言われるけれど、ピアノの場合は確実なメカニズムが備わっていないと音が作れないとか・・・。物理的にも納得できることだけに、能力と経済パフォーマンスの間で逡巡しつつ幾星霜。　

　人生が見通せるようになってきた頃、ピアノを弾くことに再び価値が増してきて、縁あってシュベスターのアプライトに注目。まずピアノと言う楽器はグランドピアノのことであって、アプライトはアプライトピアノと言う別の楽器であることの認識とともに、その両者に「楽器」と「練習機械」の２種類があることを確認しながらターゲットが絞り込まれて行った。その過程で電子ピアノなるものも経験し、結論としてピアノとカメラに関しては「デジタルものは芸術目的とは異なる不自然な機械」に過ぎぬと結論し、それ以後は永久に訣別する。デジタルカメラもデジタルピアノもビジネスツールであって芸術とは別の世界。

張弦に沿って曲面構造をもったグランドピアノと違って、アプライトは反射定在波の巣となる直方体の箱で、しかも内部空間が狭く、閉鎖されている為か雑音が発生しやすいように思う。最近国内で発売された最高級アプライトは、窓を設けてバスレフ型スピーカボックスのような事をしている。アプライトは箱を鳴らすことによって音量を補っているとの説明もあったが、それにしては外箱材質も形状もまったくそれに対応していないように思われる。足元の覆い板などは取った方が良いのだろうけど音質への寄与は不明だし、なによりアプライトはペダルで音色を変えられないところが致命的なような気もする。

アプライトは「てこ」やら「バネ」やらの物理的伝達・制御部品が多く、それぞれに動的接触抵抗、共振・共鳴などの因子が乗っかってくる。その順列組み合わせの結果がタッチと音色のみに集約されてしまう、木と金属とフェルトから成る興味深い世界のところはグランドピアノとは大きく違う。

ピアノにしろアプライトにしろ、「練習機械」と「楽器」の違いをどう見定めるかが、きわめて興味深い事柄となる。当然ながら明確な区分点は無くて、これは八割がた練習機械とかこれは文句無く楽器であるとか、音楽家の手にかかると機械も楽器としてある程度表現手段にしてしまえる部分もあるし。

練習するわけだから練習機械で良いと言う見方もあるなかで、とりあえず判断基準としてどこまで手造り品か量産品かと言うことと、あとは価格がある値以上かという点で区分けして調査選定することになる。ピアノと言う楽器は\200万以上ですと言われてしまえば身もふたも無いのではあるが・・。

故あって、スタインウェイのフルコンサートグランドを何台も好き放題に弾きまくる機会を得ることができて、またもや目からうろこ。ヤマハのグランドを触ったときは当然アプライトとはまったく違うものの、それほどの差は感じなかったのだけれど、これらのスタインウェイは全然別物と言えるハードな代物だった。野球で言えば軟球に慣れ親しんでいたところで、いきなり硬球試合に出たような感覚でプロ仕様とはこう言うものなのかと底知れぬ異次元を思い知ったひと時。ピアニストを目指すのであればやはり早くからこうした楽器で練習しなければいけないことがよくわかる。

製造技術と調律：

　楽器に限らず道具は素材と加工精度をどこまで追い込めるかでその品質が決まってくる。そしてそのメンテナンス。ピアノの場合、饗板の材質、スプルース、赤蝦夷松などで産地別、乾燥等の処理レベルの度合いなどでピアノの品質が決まってくると言う。手造り品では、メンテナンスの影響も大きく、生かすも殺すも調律師さん次第と言うことになるし、設置環境も無視できなくなる。

これまた縁あって、様々な技を修めた調律師さんにようやく出会うことができた次第。

彼の調律技にかかると、ピアノに音色の魂が吹き込まれたとでも言うか、外出していたミューズの女神を呼び帰してくれたとでも言うか、ピアノ空間がまさに別世界となる。猫が鍵盤上を歩くにしても、音色よく調律された鍵盤上のほうが良いに決まっている。下手な指さばきは最良の音色で補うことが必須なのだ、と言うか和音だけでひと時を楽しむこともできる、そんなピアノにしてもらえる。

レッスン

バイエルを終わりチェルニーに入ってソナタアルバムの頃からだったろうか、自分の出す音とFMやレコードのピアノの音が似ても似つかないことが不思議に思うようになった。楽器が違うこと、プロの演奏とはそう言うもの、あるいはこれが才能が無いということなのか等とも思ったりしながら時を重ねていた。先生について習うことをやめて20年以上立ってから、いくつかの偶然が重なって正に想定外とも言えることが起きた。HPで交流していた北海道のピアノの先生から、スタインウェイのピアノを使ってレッスンを受けると言う、夢のような機会を得るに至った。一時間ちょっとの受講だったけれども、「目から鱗」伝説は本当だった。押し込むのではなく、引張るように打鍵するとか様々なアドヴァイスどおりに姿勢と指の使い方を変えると嘘のように弾き易くなって、音色が豊かに出せるようになった。目の前で何度もゆっくりとわかる方法で説明される要となる改善点の数々。ピアノの奥深さの一端を自分の指でも辿れそうな予感。実際には何度も言われていたかもしれないけれど理解できるだけの受け皿が自分に備わっていなかったのかも知れなかった。ピアノ奏法を伝授する、伝授されると言うことの難しさに関しては、音楽のように形に残らないものの場合は感受性のレベルの差がどうしようもない障壁となる。感受性を高めずに音符や指使いやリズムの間違いばかりに終始していた過去のレッスンでは、教えるほうも教わるほうもそこに留まってタイプライターの練習から脱却できない。

数年を経てまたレッスンを受けることができ、今回もアレクサンダー・テクニークのようなことや肩甲骨の柔軟化から始まって背骨、腕や指の使い方の間違い、カン違いを直してもらい、ショパンのポリフォニーのパーツ練習法とハノンの活用法までも教わることができた。「何年も前に教えたことを良く覚えていましたね。」と感心されたけれどそれは違う。その時まったく違う次元に変えてもらったと言うことに他ならない。あれ以来、それまでは絶対に近寄れなかった幻想即興曲やバラード第一番なんかが触れるようになったし。そして今回、また新たな段階への練習法を明確にしてもらった。数年の間にも様々なコンクールに入賞されて、今はピアノの先生の先生になってしまっているのに、こんなまったくの下手っぴ素人にここまで教えてもらえるのも奇跡に近い。

三宅榛名さんが書いていた一節・・・、

　他人の弾くバッハはそれが必要十分に満足行く演奏であろうとも、結局自分が弾いて音を出している結果ではないと言う理由から、面白さとは遠い気がする。恐らく自分で音に還元し、生きた音として蘇らせる、と言うことが音楽に関与することの確定的な核心部分なのだろう。　

　CDやFM等のコピー音楽が氾濫している現代では、他人に聴かせるアマチュアの存在場所は著しく減ってしまって、個人的に弾く楽しみに限られているようにも思える。家庭の中心に楽器がある生活と、それの代わりにＴＶが中心にある生活、或いは中心も相互交流も無い生活との差が、結果として生の音楽よりトッププロのＣＤ、ＤＶＤ等を鑑賞する方に時間を使うほうが価値有りと言う図式になっているのだろうか。専門化、商品化に呑み込まれた疎外感からか、自ら楽譜をなぞって鍵盤から発せられるメロディーに新鮮な感動をおぼえたりする。しかしそれも、ある程度弾けるようになると、今度は自分の音の非音楽性に情けなくなり止めてしまうことの繰返し。そうした繰返しの中から「打鍵の際の指、手首、肘の使い分け」、「自分の音を聴くという意味」、「ゆっくり弾いて練習することの偉大さ」等がそれなりに理解できてきて、曲の練習に反映されてくるのもまた楽しいこと。

　それはさておき、これらの番組はとても魅力的な内容だった。受講生は皆上手なのに、講師の方の一言でさらに別世界にワープしたように、表情や表現が豊かなものに変わるのはミラクルそのものだった。　

 心で弾くピアノ　-　音楽による自己発見　-　セイモア・バーンスタイン: 音楽之友社

　才能とは継続的意志､と言うベースでプロのピアニストからアマチュアピアノ愛好家、ピアノ教師と、あらゆる人々にピアノカウンセラーとしてアドバイスを与えている。何故ピアノを練習するの？と言う問いかけで、ピアノの練習が即ち、自分の人生充足の一部をなし、ピアノ技法の習熟から音楽表現のレベルアップへの努力が人間としてのレベルアップをもたらすプロセスを熱っぽく語っている。アマチュアピアノ愛好家はアメリカでも偏見の対象のようで、様々な面から擁護する論陣を張っている。その上で幾通りもの効果的な練習法を例示しているが、音階の練習曲が嫌ならモーツァルトのソナタで練習すれば良いが、「集中と一貫性」が決め手であるとか、シュナーベルが、あるパッセージを200回練習していたがそれは200回繰返していたのではなく200通りの表現を試していたのだとか、腕輪の重りをつけてピアノを弾いて、手の重みによる打鍵を体得させるとか、バライエティある話の興味は尽きない。きわめつけは演奏前にあがるのはどうしたら良いかについては、ピアニストのクォリティの高さとアガリの度合いが比例すると言いつつ様々な対策を紹介している。特に自分の意志でコンクール等に参加する本人の場合は自分自身の問題だが、親や先生に参加を強いられた子供の場合の演奏前の緊張については慎重なケアが必要と述べている。当り前のことだけど、結構こう言う視点は忘れることがあるようにも思う。

　＊　後藤正孝、優勝！第9回フランツ・リスト国際ピアノコンクール

　原田光子著になる「大ピアニストは語る」再読。

　大ピアニストの言葉の数々がゴルフの達人のそれらと重なる。当り前だけれども常人に実践困難な事柄が繰り返し語られる。内容を理解しつつも、それがどのレベルの学習者に向けられた言葉なのかを区分認識しておかないと、参考にならないどころかむしろ混乱するだけのマイナスな結果になってしまうこともある。いずれにしても、人間同士の勝負となった時は、獲得形質の範囲ではなく、先天的要素と運が無視できなくなる。